Reseñas de películas: ‘Thor: Love and Thunder’ se distingue del Universo Cinematográfico de Marvel

THOR: AMOR Y TRUENO: 4 ESTRELLAS

Natalie Portman y Chris Hemsworth en ‘Thor: Love and Thunder’. MARVEL STUDIOS-DISNEY VÍA AP / JASIN BOLAND

A pesar de presentar la mayor cantidad de música de Guns N ‘Roses de este lado de la bola de un headbanger, temáticamente, “Thor: Love and Thunder” se debe más al pop con volantes de “The Things We Do for Love” de 10cc. El amor, no el trueno, está en el corazón de esta versión de Marvel Space Viking dirigida por Taika Waititi.

La película comienza con Gorr (Christian Bale), un hombre sencillo que reza por la supervivencia de su amada hija. Su planeta es estéril. La vida es insostenible, pero su fe ciega en los dioses y una “recompensa eterna” lo mantienen en marcha. Cuando las cosas empeoran, su dios lo rechaza y lo ridiculiza en lugar de ayudarlo.

“Sufrir por los dioses es tu único propósito”.

En ese momento, Gorr obtiene la Necroespada, el arma legendaria que mata a los dioses, y jura matar a todos los dioses, comenzando allí mismo. Ahora llamado Gorr the God Butcher, viaja a través de las sombras en busca de venganza.

Mientras tanto, Thor (Chris Hemsworth) está aislado. Ha perdido a todos los que ha amado, incluida Jane Foster (Natalie Portman), una astrofísica y ex novia. Tuvo algunas aventuras y pasó de ser “Dad Bod a God Bod, pero debajo de todo eso, todavía era Sad Bod”.

Su crisis de la mediana edad lo ha golpeado fuerte, y desde que Jane lo dejó, ha mantenido a todos a distancia. Ahora vive una vida de contemplación solitaria y tranquila, emergiendo solo cuando es necesario para la batalla. “Después de miles de años de vida”, Star-Lord (Chris Pratt) de “Guardian of the Galaxy” le dice: “Parece que no sabes quién eres”.

En otro lugar, Jane está siendo tratada por un cáncer en etapa cuatro. Los tratamientos de quimioterapia no funcionan, así que ella toma el asunto en sus propias manos. “Si la ciencia no funciona, tal vez la magia espacial vikinga lo haga”, dice. El resultado es una transformación en Mighty Thor, un guerrero que maneja una versión reconstruida del martillo mágico asgardiano de Thor, Mjolnir. “Disculpe”, dice Thor a ella. “Ese es mi martillo que tienes ahí. Y mi mirada”.

Cuando Gorr the God Butcher y sus espeluznantes reptadores llegan a New Asgard, la ciudad turística noruega y refugio de los asgardianos sobrevivientes, y secuestran a todos los niños de la ciudad, se desencadena una batalla en la que Thor y su compañero Korg (Waititi), junto con Mighty Thor y Valkyrie (Tessa Thompson) viajan al Reino de las Sombras en una misión de rescate.

“Thor: Love and Thunder” tiene todos los movimientos habituales de Marvel. Hay escenarios de acción escritos en grande, muchos personajes con historias de fondo complicadas y suficiente CGI para mantener una granja de renderizado en el negocio desde ahora hasta la eternidad.

Lo que también tiene, y lo que lo hace sentir fresco, es Taika Waititi. Como director, escritor y coprotagonista, infunde a los procedimientos un cierto tipo de tontería y estilo que lo distingue de otras películas de Marvel Cinematic Universe.

Las escenas de acción entregan una carnicería, pero también brindan algo de atractivo visual. Una de las primeras peleas tiene matices del arte de la furgoneta air bushed de la década de 1970, mientras que la coreografía incluye pequeños chistes, como un homenaje al flexible kickboxer Jean-Claude Van Damme. Más tarde, en el Reino de las Sombras, Waititi evoca el expresionismo alemán en su uso del blanco y negro para crear un mundo de terror, mientras mantiene una sensación de Marvel en la acción.

Con estas grandes franquicias, las escenas de acción son donde está el dinero, supongo, pero por encima de todo, “Thor: Love and Thunder” es una historia sobre el poder del amor para herir y sanar. Ante pérdidas inimaginables, su hija y su devoción por los dioses, Gorr abandona el amor y abraza la venganza. Thor, todavía dolido por haber sido dejado por Jane, aprende el poder de los sentimientos profundos cuando de repente aparece de nuevo.

La nueva arma de Thor, Stormbreaker, podría tener el peso para luchar contra Gorr the God Butcher, pero es el amor lo que ejerce el verdadero poder en esta historia.

“Thor: Love and Thunder” no es una comedia de acción total como “Ragnarok”. Hace malabares con varios escenarios de vida o muerte, y gran parte de la trama se basa en la angustia y el dolor, pero el estilo singular de Waititi, el encanto de Hemsworth y un examen sincero del dolor y el placer del amor es una combinación ganadora.

LA BESTIA DEL MAR: 4 ESTRELLAS

Un fotograma de los personajes Jacob Holland (Karl Urban) y Masie Brumble (Zaris-Angel Hator) en “La bestia marina”. (NETFLIX)

Tomando la iniciativa de “Cómo entrenar a tu dragón” y otras películas en las que criaturas temibles revelan su personalidad más amable y tierna, “La bestia marina”, una nueva película animada que ahora se transmite en Netflix, le da al viejo “nunca juzgues un libro por su cover” perogrullada un giro náutico.

El cazador de monstruos Jacob Holland (Karl Urban) viene por su trabajo honestamente. Cuando era niño, sus padres murieron en el ataque de un monstruo marino, uno que lo dejó a la deriva, solo en el océano. Tras ser rescatado por el temible Capitán Crow (Jared Harris), dedicó su vida a la erradicación de las bestias marinas. “Juré que haría todo lo posible para mantener a la gente a salvo”, dice.

Lo peor de lo peor, el King Kong de las bestias marinas es Red Bluster, una criatura gigante de color rojo langosta, que se rumorea que es una amenaza para la sociedad marinera. Cuando Holland y su tripulación parten en su barco, el Inevitable, para cazar y matar a la amenaza, descubren un polizón. La joven huérfana llamada Maisie (Zaris-Angel Hator) perdió a sus padres en una expedición de bestias marinas y ella quiere participar en la acción.

Hay mucho en juego en esta misión. El rey y la reina han amenazado a los cazadores de monstruos con un castigo terrible a menos que la bestia sea domesticada. Maisie, Holland y el equipo partieron para vencer a la criatura, pero pronto se enteran de que hay más en la historia de lo que podrían haber imaginado.

“The Sea Beast” tiene secuencias de acción espectaculares con animación por computadora bien elaborada, una historia convincente sobre cómo encontrar a la familia y los mensajes habituales de las películas para niños sobre la lealtad y la importancia de los modelos a seguir, pero lo que la distingue es una idea más subversiva.

En el fondo, esta es una historia de advertencia, una advertencia para nunca tomar las cosas al pie de la letra o confiar ciegamente en las versiones aceptadas de la historia. La historia puede ser subjetiva, sugiere la película, dependiendo de la fuente. ¿Son las bestias marinas alborotadores peligrosos, como afirman el rey y la reina? ¿O son criaturas incomprendidas utilizadas por los gobernantes para infundir miedo y ejercer control sobre sus súbditos? Los coguionistas Chris Williams (quien también dirige) y Nell Benjamin han entretejido grandes ideas a lo largo de la trama de la historia, alentando a los niños a descubrir cosas por sí mismos y no aceptar la sabiduría convencional.

Pero no me malinterpreten, esto no es una diatriba rebelde y antiimperialista. Es una aventura de acción con conciencia y algunos “monstruos” geniales de los que los niños se enamorarán a primera vista. Se ralentiza en la segunda mitad, pero la combinación de inteligencia y diversión marinera es ganadora.

STANLEYVILLE: 3 ESTRELLAS

Susanne Wuest en “Stanleyville”, dirigida por Maxwell McCabe-Lokos. (Osciloscopio)

Imagínese si Samuel Beckett escribiera “Squid Game”, sin el muñeco Kewpie gigante, y entendería “Stanleyville”, una nueva sátira social de humor negro ahora en VOD.

El aburrimiento de un trabajo sin salida y una relación insatisfactoria con su marido y su hija ha envuelto a la apática habitante de los suburbios Maria Barbizan (Susanne Wuest) como un sudario. Un día, cansada de… bueno, de todo, se deshace de su dinero y cartera en un basurero del centro comercial y deambula sin rumbo fijo.

Adormecer.

En este estado de fuga camina el elegantemente vestido Homunculus (Julian Richings), una figura misteriosa con una oferta intrigante. Ella, le dice, ha sido elegida, junto con un grupo de otros personajes idiosincrásicos: el mocoso malcriado Andrew Frisbee Jr (Christian Serritiello), Felice Arkady (Cara Rickets), Manny Jumpcannon (Adam Brown) y el musculoso Bofill Pancreas (George Tchortov )—para participar en un “concurso de nivel platino” para “probar la esencia misma de la articulación mente/cuerpo”. No entiende lo que eso significa, y tampoco le interesa el premio de un utilitario deportivo compacto naranja habanero usado, pero la promesa de una verdadera iluminación o una “auténtica trascendencia personal” la atrae.

El llamado “concurso de nivel platino” prometido es en realidad una competencia de reality show al estilo “El señor de las moscas” con Homunculus como anfitrión y árbitro. Una serie de juegos extraños, en un momento en que se les desafía a “escribir un himno nacional para todos, en todas partes y en todos los tiempos”, con consecuencias cada vez mayores, enfrenta a los jugadores entre sí. En el camino, ganan puntos y obtienen información sobre sus creencias más profundas, el espíritu de “sálvese quien pueda” y sus peores inclinaciones.

El actor convertido en director Maxwell McCabe-Lokos pinta a sus personajes con pinceladas muy amplias. Cada uno es un arquetipo que va desde el nihilista hasta el fracasado y el tipo empresarial, con características fáciles de leer que hablan de un elemento de la condición humana.

Ese, sin embargo, es el único aspecto fácil de leer de “Stanleyville”.

Deliberadamente extraña, la película es todo un viaje. La extraña situación realmente no va a ninguna parte y, dadas las ambiguas motivaciones de Homunculus, la película no ofrece ningún cierre a los personajes ni muchas preguntas que presenta. Se trata de la competencia, la vibra de ganar a toda costa tan a menudo evidente en los programas de competencia. Esta es una versión absurda de lo mismo, pero a medida que la situación comienza a desmoronarse, también lo hace la historia. El comentario social permanece, pero los espectadores que esperan iluminación, pueden disfrutar de los temas extraños pero que invitan a la reflexión de la historia, pero al igual que María, dejan la película en busca de una iluminación espiritual que les cambie la vida.

PAREDES DE SUEÑO: DENTRO DEL HOTEL CHELSEA: 3 ½ ESTRELLAS

“Dreaming Walls” es un documental sobre el Chelsea Hotel de la ciudad de Nueva York. (Imágenes de magnolia)

El Hotel Chelsea, en West 23rd Street en el Chelsea de Manhattan, es una leyenda. El dramaturgo Arthur Miller vivió aquí durante seis años y dijo: “Este hotel no pertenece a Estados Unidos; no hay aspiradoras, ni reglas ni vergüenza”.

Un inquilino anciano, visto en el nuevo documental “Dreaming Walls: Inside the Chelsea Hotel”, que ahora se proyecta en los cines, dice: “Es una tierra de fantasía donde la gente va para alejarse de la realidad”.

Inaugurado en 1884, durante más de un siglo fue un ejemplo independiente de bohemia, inmortalizado en canciones de Bob Dylan (“Sara”), Jefferson Airplane (“Third Week in the Chelsea”) y, la más famosa, “Chelsea Hotel #2.” Aparece en películas como “Chelsea Girls” de Andy Warhol y la sensual “9½ Weeks”.

La diosa punk Patti Smith vivía allí con el fotógrafo Robert Mapplethorpe. El pintor abstracto Mark Rothko tenía un estudio en el comedor. La superestrella de Warhol, Edie Sedgwick, lo quemó casi accidentalmente y Nancy Spungen murió allí, supuestamente (pero probablemente no) a manos de su novio, el bajista de Sex Pistol, Sid Vicious. Arthur C. Clarke escribió “2001: A Space Odyssey” mientras estaba en la residencia y Jack Kerouac tuvo una aventura de una noche allí con Gore Vidal.

Es legendario, pero los días del abandono salvaje, el arte de vanguardia y los artistas que cambiaban apartamentos por cuadros quedaron atrás, víctimas de los tiempos cambiantes y la gentrificación. “Dreaming Walls: Inside the Chelsea Hotel” es un documento sobre los últimos días de una leyenda cultural y el nacimiento de otro hotel boho-chic de la ciudad de Nueva York.

Dirigida por los cineastas belgas Amélie van Elmbt y Maya Duverdiert, esta es una película impresionista que ignora el legado del rock and roll de Chelsea, los escándalos y los actos sexuales notables. En cambio, documenta contemplativamente a los (en su mayoría) ancianos residentes de Chelsea, quienes, en palabras de Dylan Thomas, otro ex residente, se niegan a “entrar gentilmente en esa buena noche”.

Una mirada al hotel a través de los ojos de las personas que vivieron allí, que crearon su arte allí y criaron a sus familias allí, pinta una imagen diferente del edificio histórico de lo que solemos ver. Elimine el sensacionalismo y emerge un retrato melancólico de una época pasada, enmarcado por las vidrieras góticas victorianas ornamentadas y los diseños de escaleras de hierro forjado del arquitecto Philip Hubert. A medida que la construcción arranca los recuerdos de los residentes restantes, estos recuerdan el corazón y el alma de un lugar que, durante décadas, dio cobijo a soñadores de todo tipo.

Esos días se han ido ahora. Los pocos veteranos restantes, aquellos que no aceptaron las compras ofrecidas por los desarrolladores, ahora deben usar ascensores de servicio para evitar molestar a los huéspedes de hotel de lujo que pagan. Sin embargo, al menos en esta película, mantienen viva la llama bohemia, incluso cuando los vientos de cambio intentan extinguirla.

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